Titoli e autori (in ordine alfabetico e di proiezione) dei cortometraggi in concorso:
SEMIFINALISTI – SINOSSI E BIOGRAFIE
A CERTAIN NUMBER OF TIMES
Regista Giorgia Ponticello, Jody Hinterleitner // Italia
Due vite intrecciate e legate da ricordi comuni. Una danza intima tra nonna e nipote celebra il ciclo della vita, dall’infanzia all’età adulta, in una casa piena di ricordi. Un omaggio ai segni del tempo che trasformano il corpo in un deposito di esperienze da conservare e tramandare. Passato e presente si fondono catarticamente nella fragilità di un corpo che lotta per ricordare.
Giorgia (1998, Italia) è un’artista italiana multidisciplinare con un background nella danza e un forte interesse per i campi dell’audiovisivo e della comunicazione. Si è formata all’Accademia di Belle Arti di Genova, completando una tesi sulla percezione visiva del movimento nella relazione tra pubblico e performer. Nel 2023, il suo cortometraggio di danza “Absent Presence” è stato selezionato da festival internazionali di danza e cinema, ricevendo diverse menzioni speciali e riconoscimenti. Attualmente frequenta il CAM (Cinema, Performing Arts and Media) di Torino per approfondire la sua ricerca sull’intersezione tra danza e media digitali.
Nato in una famiglia di artisti e viaggiatori, Jody (1999, Italia) ha iniziato a fotografare fin da bambino. La fotografia è diventata presto la sua passione e il suo mezzo di espressione preferito. Ha frequentato un corso professionale di montaggio cinematografico e televisivo, iniziando la sua carriera lavorando per “Primocanale”, un’emittente televisiva di Genova. Successivamente ha lavorato per la casa di produzione “e-motion” come assistente e operatore di ripresa, lavorando per clienti come Costa Crociere, Bulgari, Moncler e altri. Attualmente collabora con artisti locali, sperimentando tecniche innovative e riscoprendo supporti di registrazione obsoleti come il nastro magnetico e la pellicola.
ALBA
Regista Lena Marie Rheinländer // Svizzera
Basato sull’atmosfera mistica e sui ritmi giocosi della composizione “Morteratsch” di Céline Fankhauser, il cortometraggio esplora in due parti il mondo interiore della persona e il suo ciclo di unità, individualizzazione, dispersione e indipendenza. Il film è il risultato di una collaborazione interdisciplinare tra diversi dipartimenti artistici dell’Università delle Arti di Zurigo.
Nata nel 1997 in Germania. Dopo aver abbandonato con successo una formazione in performance musicale, Lena ha ottenuto una borsa di studio completa per studiare danza contemporanea e stili di strada a Zurigo, dove ha scoperto il mestiere di regista. Dal 2021, prosegue gli studi di regia presso la ZHdK (Università delle Arti di Zurigo).
BLIND DREAMERS [•32°N 145°W•]
Regista Sandra Geco // Francia
Una favola visiva con note poetiche che oscillano tra realtà e surrealismo per rivelare un universo che mescola plastica, paesaggio e poesia.
Scopriamo una coppia che assomiglia agli amanti di René Magritte che hanno scambiato il loro velo con un sacchetto di plastica.
Alla ricerca della sensibilità, questa favola video mette in discussione la nostra rottura con il resto del mondo vivente e la nostra (in)capacità di identificarci con esso.
Noi siamo questo essere vivente preso in trappola: come possiamo dimenticarcene?
Sandra ha iniziato a ballare a Roanne (classica, jazz, mimo e teatro) prima di formarsi con Rosella Hightower all’Ecole Supérieure de Danse di Cannes.
Ha ballato balletti del repertorio classico e neoclassico e ha frequentato l’ABT (American Ballet Theater) per un Collegiate Summer Intensive. Contemporaneamente, scopre la danza hip hop e si allena alle diverse tecniche in strada, conoscendo nuove persone e scoprendo nuove cose. Curiosa e appassionata di tutto, si specializza nel popping e nel “Newstyle” hip hop. Ha aperto lo spettacolo Juste Debout a Bercy con un sorprendente mix di danza classica e popping sulle punte.
Affascinata da questa ricerca del movimento e dalla capacità del corpo di adattarsi a stili ed energie diverse, continua a spingere il suo mix di tecniche e incrocia José Montalvo, che le offre l’opportunità di rivisitare il balletto del Don Chisciotte fondendo le grandi variazioni del repertorio di Kitri con la tecnica dell’hip hop. Inoltre, le ha fatto scoprire per la prima volta una danza che le piaceva particolarmente da tempo, il “Krump”.
È stato poi al fianco di Wim Vandekeybus che si è avvicinata all’arte contemporanea e al teatro fisico (teatro-danza), che oggi costituiscono parte integrante del suo lavoro. Fin da piccola è stata affascinata dalla fotografia e dal video, ed è da questo incontro che ha deciso di prestare maggiore attenzione al suo lavoro audiovisivo e di apportarvi la propria identità, a metà tra surrealismo e poesia.
Nel 2019 Sandra fonda “CØMPAS” e organizza i primi corsi intensivi. Per lei si tratta di un atto sociale guidato dal desiderio culturale di trasmettere il suo lavoro. Basandosi sul lavoro a terra e sul lavoro in compagnia, offre ai partecipanti una connessione reale con l’attuale scena contemporanea internazionale.
La sua compagnia “&co” fa parte di un approccio sfaccettato che combina diverse estetiche e tecniche. Il suo lavoro è radicato nel rapporto con l’immagine, la teatralità del corpo e il mondo sensibile del movimento, dell’istante e del nulla. Nel 2022 ha diretto il suo primo cortometraggio, Blind Dreamers, e il primo spettacolo della compagnia, Côte A Côte.
CRUNCH TIME
Regista Chloé Beillevaire // Francia
“ℂℝ𝕌ℕℂℍ 𝕋𝕀𝕄𝔼 è una sfida, una provocazione, un ammutinamento gioioso. È un caos a venire eppure già qui, dove i corpi non sono altro che slancio e la danza un grido di resistenza”.
Nel mondo frenetico di Crunch Time, un’esplosione improvvisa spinge i corpi in una frenetica corsa contro il tempo. Nella fretta si buttano a capofitto, alcuni cadono per poi rialzarsi, mentre altri si scontrano in incontri accidentali che oscillano tra lo shock e l’abbraccio.
Spinti da un’energia grezza, insaziabile e contagiosa, spingono inesorabilmente indietro i loro limiti individuali per forgiare una forza collettiva. In perfetta simbiosi, bruciano con audacia per vincere l’urgenza con grazia.
Nella frenesia del mondo moderno, dove performance, produttività ed efficienza regnano sovrane, CRUNCH TIME ci immerge nel cuore dell’emergenza e mette in discussione la nostra capacità di unirci per resistere e affrontare la pressione.
ℂ𝕙𝕝𝕠𝕖 𝔹𝕖𝕚𝕝𝕝𝕖𝕧𝕒𝕚𝕣𝕖 – Coreografa e regista
Formatasi al Conservatorio di Lille e poi diplomata al CNSMD di Lione, Chloé è prima di tutto una performer che mette la sua fisicità al servizio dell’emozione. Fin da giovanissima ha fatto numerose esperienze di palcoscenico con compagnie come Olivier Dubois, Ando, Artopie, DIEM, Groupe Noces e Poetic Punker.
Sebbene la sua ricerca sul movimento rimanga centrale, la sua attrazione per la transdisciplinarità e la decompartimentazione delle arti l’ha portata presto a trasferirsi in Belgio. È con Wim Vandekeybus e la compagnia Ultima-Vez che sviluppa e affina il proprio stile, un linguaggio coreografico tinto di teatralità; una miscela di danza cruda, incarnata, selvaggia, quasi ribelle.
Ai suoi occhi i corpi danzanti sono strumenti linguistici spettacolari, vettori di memorie e storie indicibili, ed è stato naturale per lei dedicarsi alla coreografia. Si è quindi unita all’incubatore di artisti Garage29 dove ha creato il suo primo spettacolo presentato nell’ambito del festival Brussel Dance, seguito da un secondo al Théâtre des Bernardines durante il Festival di Marsiglia.
Contemporaneamente ha proseguito la sua carriera di performer lavorando con Backsteinhaus Produktion in Germania e con la compagnia di teatro documentario GDRA diretta da Christophe Rhules e Julien Cassier.
Spinta dalla passione per la condivisione del sapere, insegna regolarmente in laboratori intensivi, festival e centri internazionali.
In tre occasioni ha accettato l’invito come coreografa ospite del corso intensivo Performact in Portogallo, dove ha creato, con una quindicina di giovani interpreti, tre pezzi sul tema della disobbedienza e dell’iperattività del mondo moderno.
Nel 2021, desiderosa di affermare e proporre un’immagine della danza contemporanea liberata dal suo carattere così spesso considerato astratto e concettuale, fonda la Cie La Teneur. Oggi conduce i suoi progetti con convinzione e passione, fondendo danza, teatro, musica e arti visive. Ha creato il suo primo pezzo coreografico, Balec, in co-creazione con Le Garage29.
Contemporaneamente ha diretto i videoclip DÉRIVE per il compositore LTIR – Christophe Franco Rogelio, e RADIANCE per il gruppo tedesco Perigon_gone_on.
Continua la sua collaborazione con LTIR e Performact per produrre il video di danza CRUNCH TIME.
Attualmente sta lavorando allo spettacolo per bambini LE MIROIR AUX ALOUETTES e, con il suo partner Steven Chotard, al dittico SCHLASS / BLAST.
I NEED A FIX
Regista Romain WINKLER, Alban RICHARD // Francia
Videogramma prodotto dalla musica dello spettacolo coreografico di Alban Richard, Fix Me, composta da Arnaud Rebotini.
10 performer chiamano il pubblico uno alla volta in modo frontale e diretto. Lo sguardo della telecamera è penetrante e quasi permanente, ma i 10 performer rimangono in silenzio.
Al posto delle parole, la musica techno si assesta in crescendo mentre i performer cercano di convincerci usando i loro corpi come linguaggio esteso di persuasione.
Nel 2018, il pezzo coreografico Fix Me di Alban Richard con musica originale composta da Arnaud Rebotini (Premio César per la migliore musica originale per 120 Beats per Minute di Robin Campillo) ha posto una semplice domanda antropologica: il corpo può convincere, esaltare, esortare, persuadere?
Utilizzando filmati di sermoni di pastori americani, di proteste politiche e di oratori, è stato creato un lessico di movimenti. Durante lo spettacolo, gli interpreti non potevano sentire la musica, ma traducevano attraverso i loro corpi i sermoni che solo loro potevano sentire attraverso le cuffie.
Nel 2023 il film I Need a Fix estende questa ricerca. I 10 interpreti, tra cui Arnaud Rebotini, arringano la telecamera in modo silenzioso e fisico, cercando di catturare completamente l’attenzione degli spettatori.
Su due estratti musicali, Kénose e Substance doctrinale, il film presenta un accumulo di corpi tormentati abitati da molteplici affetti. Espressioni facciali, sguardi, gesti, moltiplicati in un montaggio spesso tremolante, assumono una dimensione sciamanica, come una seduta di ipnosi collettiva.
Romain Winkler è un regista cinematografico franco-americano con sede a Parigi. Si è laureato in scienze politiche prima di entrare nella scuola pubblica di film E.N.S.A.V di Tolosa nel 2002. Ha poi conseguito una doppia laurea in fotografia e regia cinematografica. Oltre a scrivere e dirigere film, lavora anche come montatore e operatore di ripresa.
I primi cortometraggi che ha diretto sono una miscela di narrazione tradizionale e cinema sperimentale. Ill Figure (2007) racconta la vita di un modello di plastica tormentato, Kid Apokalypse (one & two 2005 / 2010 ) è un super-antieroe nato nel bel mezzo della fusione di una fabbrica chimica (la fabbrica AZF nel 2001 a Tolosa). Questi film sono stati selezionati in numerosi festival cinematografici e sono stati premiati.
Ha diretto due film di media durata, Dehors nel 2008, il suo film di diploma, un huis-clos su un giovane uomo improvvisamente incapace di scendere le scale del suo appartamento. E Intérieur Nuit del 2017, un dramma musicale che descrive la nascita di una storia d’amore stressata dall’instaurarsi di una dittatura in un paese dell’Europa orientale. Il film, della durata di 48 minuti, è stato proiettato nei cinema e sulla televisione nazionale francese.
Dal 2015, Romain ha diretto più di 60 video musicali per diversi artisti francesi e internazionali. I suoi 16 video per la band Odezenne hanno contribuito al successo della band e hanno raggiunto il plauso della critica, totalizzando oltre 20 milioni di visualizzazioni. Ha diretto video per icone come Jane Birkin (3) ed Étienne Daho (4) e per talenti emergenti. Ama navigare tra gli stili e creare universi visivi singolari ed eterogenei.
Romain sta attualmente sviluppando un cortometraggio sperimentale sulle esperienze di pre-morte, Les Embolies, che sarà girato nel maggio 2023. E sta scrivendo il suo primo lungometraggio, il film Hubert X, un dramma di genere su un gruppo di esploratori urbani che si imbattono in una strana polvere allucinogena in una fabbrica abbandonata…
Alban Richard ha scoperto la danza contemporanea mentre stava compiendo studi letterari e musicali. Dalla fine degli anni Novanta ha lavorato per diversi coreografi come Odile Duboc, Olga de Soto e Rosalind Crisp.
Nel 2000, Alban Richard ha fondato l’Ensemble l’Abrupt per il quale ha creato una trentina di pezzi molto diversi tra loro, sempre in stretta interazione con un’opera musicale di cui ha messo in discussione la scrittura e la struttura formale. Di conseguenza, ogni creazione apre una nuova ricerca e un nuovo stile esecutivo, distinguendosi dalla precedente. Il modo in cui sviluppa i suoi spettacoli, utilizzando improvvisazioni ristrette per ideare il lavoro direttamente sul palco, incoraggia gli interpreti a diventare creatori della propria danza.
Alban Richard ha collaborato con l’ensemble Alla francesca, Les Talens Lyriques, Les Percussions de Strasbourg, l’Ensemble intercontemporain, l’IRCAM e gli ensemble Cairn, Instant Donné e Alternance, nonché con i compositori Arnaud Rebotini, Sebastian Rivas, Erwan Keravec, Jérôme Combier, Laurent Perrier, Raphaël Cendo, Robin Leduc, Paul Clift, Wen Liu e Matthew Barnson.
Coreografo prolifico, Alban Richard è regolarmente invitato da balletti e compagnie, sia a livello internazionale (Canada, Lituania, Norvegia) che in Francia, per creare lavori su commissione.
Dal 2015 è direttore artistico del Centre chorégraphique national de Caen en Normandie, con un progetto basato sia sulla sua pratica di autore sia sul legame con il territorio e i suoi abitanti.
KINGDOM
Regista Jagoda Turlik // Polonia
Passato, presente, futuro – Tre ordini che determinano lo spazio della vita. Distanti, ma senza l’altro, non costituiscono la verità. Coesistono come una somma, un flusso di esperienze. Il passato conserva ricordi, evoca sentimenti, ma nasconde anche demoni. Il futuro non esiste, può essere pericoloso. Il presente costringe a decidere in che direzione andare “qui e ora”.
Il futuro è incantato dal movimento e dalla natura, dal cielo e dal verde. Decidete se il vostro “Regno” è un’arida, gelida vastità in cui siete solo apparentemente la “Regina/Re del vostro destino”, rimanendo dettati dal passato, o se prendete il vostro destino nelle vostre mani e affrontate ciò che è stato, accettate la mano che vi viene offerta e non guardate dietro di voi. Andate verso il cielo e il verde. La bussola è il cuore e l’intuizione. Il futuro è lì. In voi.
Sono un regista e un amante della danza.
Seguendo l’idea di un uomo del Rinascimento…
Mi sono laureato in Musicologia all’Università di Varsavia, in Organizzazione di Produzione Cinematografica e TV PWSFiTv a Łódź, in Teoria della Danza alla FCUM di Varsavia, in Edit Workshops di Manhattan e in Cinema Workshops a NYC. Ho partecipato a numerose biennali, corsi e sessioni di formazione in Polonia e all’estero (compresa la Cina) sull’arte della danza, del cinema e della musica.
Lavoro nell’industria cinematografica polacca. Dal 2010 lavoro come supervisore della sceneggiatura e della continuità sui set cinematografici. Collaboro con i principali registi e creatori polacchi di lungometraggi e serie (tra cui A. Wajda, A. Holland, G. Zgliński, K. Dębska, B. Lankosz, J. Holoubek, P. Vega, F. Zylber, Ł. Palkowski, A. Panek, M. Gazda, M. Dudkiewicz, B. Kowalski …)
Screendance, che è la mia passione ed è un punto importante dei miei interessi professionali.
LE POIDS DU LIEU
Regista Caroline Hayeur, Sarah Bild // Canada
In an abandoned city, in the middle of a field left barren by the harvest, on a deserted railway track, travels an autumnal figure transformed by the places she inhabits. First, a playful sprite who wanders the frontier between asphalt and wasteland under a sparrowhawk’s gaze, she changes form as she enters a flat stretch of farmland, now a nomad.
Like migrating birds, the exile must make this journey to come back to the self. The meandering ends in the forest. Now a witch, this strange figure peacefully returns to the sand, the river, the plants and the roots.
With a calm wildness, amidst the rustling of raven wings, she is absorbed into the earth, finding solace at last.
CAROLINE HAYEUR
Risolutamente ottimista, con oltre 25 anni di esperienza sul campo, Caroline Hayeur esplora questioni sociali che riguardano la convivialità, la condivisione e le differenze. La sua ricerca comprende diversi luoghi e forme di socializzazione – amici, relazioni filiali, comunità plurali – nella tradizione del documentario e della rappresentazione umanistica.
Il movimento, la danza e il gesto sono temi ricorrenti attraverso i quali cerca di catturare l’essenza dei nostri legami reciproci e con la terra: Rituel festif, Portraits de la scène rave à Montréal (1997), Amalgat – Danse, Traditions et autres spiritualités (2007).
Hayeur ha la capacità di avvicinare gli sconosciuti in ambienti intimi e di guadagnarsi la loro fiducia attraverso una conversazione genuina. Come antropologa visiva, il suo approccio potrebbe essere definito etnologia del quotidiano: Humanitas (2010), Adoland (2014), Radioscopie du dormeur (2022).
All’inizio degli anni 2000, Hayeur ha aggiunto alla sua pratica la video e la media art, spingendo ulteriormente il suo processo di ricerca e ampliandolo fino a includere l’animazione e il suono: Mapping Territories (2006), Dans la forêt (2010), Abrazo (2016).
Con il suo ultimo lavoro, Le Poids du lieu – una coreografia virtuale in tre atti, inizia una nuova complicità artistica con la coreografa contemporanea Sarah Bild.
Sarah Bild
L’artista del movimento di Montreal Sarah Bild segue un flusso intuitivo di immagini fisiche per creare opere di danza profondamente strutturate, presentate negli ultimi 30 anni in tutto il Canada.
Nel 2015, il suo progetto 50+ ha affrontato la rappresentazione del corpo femminile che invecchia sul palcoscenico. Nel 2016, Sarah Bild ha iniziato a svolgere la sua ricerca in luoghi all’aperto con Wall Series.
In She Wanted (2019), un assolo intimo eseguito intorno a un tavolo per due soli spettatori, Bild condivide una storia personale che evoca la maternità, la pratica artistica e il tempo fugace. L’opera è stata presentata quasi 90 volte tra il 2019 e il 2022.
Nel 2020 Sarah si reca in Germania per esplorare il passato della sua famiglia. La sua residenza alla PILOTENKUECHE di Lipsia le permette di creare TRACKS.
Più recentemente, ha abitato spazi urbani e rurali abbandonati per indagare il senso del luogo nel suo progetto di performance, foto e video Le Poids du lieu, in collaborazione con la fotografa Caroline Hayeur. Usando queste immagini come materiale coreografico, hanno costruito tre cortometraggi che usciranno nell’inverno del 2024.
Sarah Bild è la prima improvvisatrice certificata per insegnare la tecnica dell’Action Theater in Québec. Insegna regolarmente all’École de danse contemporaine de Montréal e all’Université de Montréal, ed è coreografa e insegnante ospite di diverse scuole di formazione di danza in tutto il Canada.
MYKESTESIA N.1
Regista Federico Pipia // Italia
Intruso postumano dell’Antropocene, mutante plausibile, Mykestesia riproduce le strategie di resistenza involontaria dei funghi “alla fine del mondo”, che crescono in paesaggi degradati grazie alla collaborazione produttiva con altre specie. Questo soggetto assente ma fatalmente antropomorfo cerca di nascere in un futuro indefinito, proiettando le sue radici fuori dal terreno.
Federico Pipia (Palermo, 1996) è un compositore, regista, musicista e sound artist italiano.
Si interessa di regia, musica e sound design per il teatro, il cinema, l’audiovisivo, composizione acusmatica, performance strumentali, live electronics e produzioni musicali di vario genere; ha realizzato i suoi progetti in numerosi teatri, locali e festival internazionali. La sua ricerca si concentra sulla contaminazione tra diversi media e sulla combinazione tra tecniche tradizionali e nuove tecnologie.
RECURVE
Regista Darren Philip Hoffman // USA
Questa performance registrata in studio, in una sola ripresa, esamina il confronto tra la collaborazione tra musica, danza e luce. Muoversi attraverso ostacoli, tempo e tumulti, superandoli solo per incontrare nuove resistenze, acquisendo forza bruciando energia allo stesso tempo.
Moiré è una compagnia sperimentale di danza, musica e film contemporanei che cerca di accendere profonde esperienze emotive. Attraverso una partnership creativa, i coreografi Carlye Eckert e Sam Lore e il compositore Darren Hoffman realizzano performance e film atmosferici attraverso la creazione simultanea, l’ascolto profondo e la produzione sostenibile.
Moiré si sforza di creare performance ipnotiche, accattivanti e capaci di alterare il tempo nella convergenza di suono, luce e tecnologia coinvolgenti.
RUINS WITHIN RUINS
Regista Lefteris Parasyris // Grecia
Un gruppo di danzatori si posiziona tra le rovine antiche e moderne dell’isola di Creta, in Grecia. Traendo ispirazione dal suo ricco patrimonio, realizzano una serie di forme cinetiche e modelli influenzati dalle danze popolari. Queste installazioni, in armonia o in contrasto con la cultura dell’isola, offrono riflessioni sulla memoria storica e sull’identità cretese.
Lefteris è un regista e fotografo greco residente a Londra. Il suo cortometraggio “Latent” è stato selezionato da più di 25 festival cinematografici in tutto il mondo ed è attualmente distribuito da Shorts International. È membro di BFI NETWORK x BAFTA Connect dal 2017.
Lefteris lavora anche come supervisore della sceneggiatura con crediti in produzioni pluripremiate nel Regno Unito e in Grecia, come l’ultimo lungometraggio di Peter Strickland “Flux Gourmet”. Ha conseguito un Master in Filmmaking, con specializzazione in regia, presso la Goldsmiths, University of London. Inoltre, ha studiato teatro all’Università di Atene e al Trinity College di Dublino.
Oltre a dedicarsi alla regia, Lefteris è un appassionato di volontariato e ha viaggiato a lungo con le ONG in India, Islanda e Giappone. La sua esperienza di vita, lavoro e studio in varie parti del mondo ha rafforzato il suo interesse per i temi del patrimonio e dell’identità. Sfidando la nozione di cittadino del mondo contro il disperato bisogno di appartenenza, Lefteris esplora le idee di casa, memoria e abbandono con un’enfasi particolare sul movimento e sulla fisicità.
SHAPED
Regista Nicola Massella // Italia
Ogni invenzione, piccola o grande che sia, ha una vita propria. La plastica è nata come materiale innovativo e rivoluzionario, ma rappresenta uno dei grandi problemi del nostro tempo. Sei danzatori umanizzano la plastica e ripercorrono le tappe della sua esistenza, rifiutata dopo un semplice utilizzo. Si ritrovano proiettati in diversi angoli del mondo per ricongiungersi nel luogo in cui tutto si accumula per poi disintegrarsi lentamente.
Nicola Massella è un fotografo e videomaker emergente, nato nel 1996 e residente a Verona. Il suo lavoro si concentra principalmente su temi socio-ambientali, con l’obiettivo di raccontarli attraverso immagini potenti che catturano l’attenzione del pubblico e lo spingono a riflettere.
Nonostante non abbia seguito un percorso accademico formale nel campo della fotografia e della cinematografia, Nicola ha acquisito le sue competenze principalmente attraverso l’autoapprendimento. Ha dedicato tempo alla lettura di libri e manuali sulle tecniche fotografiche e cinematografiche, imparando dai successi e dalle esperienze di vita di fotografi e registi affermati. Questo approccio gli ha permesso di sviluppare un proprio stile distintivo e di affinare le sue capacità di comunicare attraverso le immagini.
Inoltre, Nicola ha ampliato le sue conoscenze partecipando a workshop, eventi e mostre, dove ha avuto l’opportunità di confrontarsi con altri professionisti del settore e di ricevere feedback sul suo lavoro. Questa continua ricerca di crescita e miglioramento lo ha portato a emergere come promettente regista nel campo dei cortometraggi, dandogli l’opportunità di esplorare nuove forme di narrazione visiva per affrontare i temi che gli stanno a cuore.
SIREN
Regista Scott Fowler // Olanda
SIREN è un breve film sulla danza sperimentale, che utilizza la danza contemporanea per esplorare l’esperienza non binaria/trans.
SIREN è la breve storia di una maledizione. In ogni sguardo incontrato, il maledetto vede i segreti più intimi dello spettatore. La pupilla si trasforma in un pozzo oscuro, che germoglia dal subconscio. La nostra figura centrale si ritrova nella situazione familiare di essere vista da una folla, dove deve confrontarsi con la sua reazione non ortodossa alla paura. Rimpinzandosi delle vite nascoste di molti e cavalcando il massimo del loro sistema nervoso, l’accresciuto stato di pericolo sboccia in estasi, disgusto e rabbia. Cosa succede quando invece di seguire la nostra reazione istintiva alla paura, ci arrendiamo ad essa? Cosa succede quando sappiamo cose che non dovremmo?
Nato a Vancouver, Scott Fowler si è formato come ballerino contemporaneo presso Arts Umbrella e nel 2012 è entrato a far parte del Ballet BC come ballerino a tempo pieno. Nel 2013, Scott ha iniziato a esplorare i mezzi della fotografia e della videografia come altri sbocchi per la sua arte. Ha creato un account Instagram per le sue fotografie e ha ottenuto un ampio seguito dopo essere stato inserito nell’elenco degli utenti suggeriti di Instagram sia nel 2014 che nel 2015. Scott ha acquisito esperienza nella videografia attraverso le sue esplorazioni e creando video di sport e danza. Era interessato a come la sua conoscenza del movimento e la sua esperienza potessero contribuire ai diversi metodi e prospettive di ripresa della danza, o in altre parole, a come la telecamera potesse ballare con il ballerino.
Oltre alle riprese e al montaggio per audizioni, progetti e promozioni di vari ballerini locali, Scott ha presentato il suo cortometraggio di danza collaborativo Two nel programma 2017 di F-O-R-M (Festival Of Recorded Movement). Ha anche svolto un lavoro retribuito, filmando e producendo video promozionali per Light in the Rafters di Alexis Fletcher e Lo Schiaccianoci di The Goh Ballet, oltre al montaggio del film Stay di Joshua Beamish/MOVETHECOMPANY e alla proiezione di @giselle al Lincoln Center. Nell’aprile 2020, Scott ha creato e presentato il portale dei cortometraggi per il progetto Gather’in del Ballet BC, che è stato inviato a tutti i sostenitori della compagnia e pubblicato su IGTV e YouTube del Ballet BC. Nel luglio 2020, Scott ha collaborato con Joshua Beamish per creare il cortometraggio sulla danza Falling Upward che è stato successivamente presentato al National Arts Centre di Toronto e al. Sechelt Arts Festival e Push festival a Vancouver.
Scott si è trasferito nei Paesi Bassi nell’agosto 2020 per unirsi al Nederlands Dans Theatre come ballerino a tempo pieno. Nel settembre 2020 è stato incaricato da Joshua Beamish di filmare e montare il nuovo lavoro di Joshua Proximity, che è stato trasformato in un cortometraggio e presentato nel programma Fall For Dance North Signature 2020. Nel novembre 2021 Scott e Joshua sono stati intervistati da Brain Webb come parte della serie Without the Dancing, There Ain’t No Dance. L’intervista cinematografica è stata rilasciata nel dicembre 2022 e pubblicata sul sito web della Brian Webb Dance Company. Nell’estate del 2022, Scott ha collaborato con il ballerino Boston Gallacher e lo scenografo Mattia Papp per creare il cortometraggio sulla danza SIREN, che ha ricevuto una sovvenzione da Piket Kunstprijzen. Nel gennaio 2022, ha filmato i ballerini del Nederlands Dans Theatre in preparazione dello spettacolo Switch 2022 e ha creato un trailer per la promozione dell’intera produzione. Nel luglio 2023 Scott ha collaborato una seconda volta con Boston Gallacher per creare il video musicale per il brano A Curse degli Octagon Blues. Nella primavera del 2024, Scott prevede di lavorare con gli artisti di danza e coreografi César Faria Fernandes e Lea Ved e il cantante Daniel Montero Real per creare un nuovo cortometraggio sulla danza.
STRANGER
Regista Kelsey Paschich, Kevin Abbott // USA
“Stranger” è un film d’animazione d’avanguardia che combina la tecnologia del motion capture con immagini geometriche di grande impatto e un’architettura brutalista. Diviso in quattro sezioni, esplora i temi della reclusione, della libertà e della condizione umana attraverso una coreografia astratta. I ballerini che si fondono in un’entità unificata simboleggiano l’interconnessione di tutti gli esseri. Un suggestivo paesaggio sonoro elettronico completa l’ipnotico spettacolo visivo.
Kelsey Paschich è un’artista di danza poliedrica, il cui lavoro riflette sia il rispetto per la tradizione che la spinta all’innovazione. Come interprete, ha alle spalle 20 anni di carriera internazionale con rinomate compagnie e coreografi, tra cui: Moscow State Classical Ballet, DCDC2, Thodos Dance Chicago, River North Chicago Dance Company, Chicago Symphony Orchestra, Interdansa Dance Festival, Keshet Dance Company, ARCOS Dance, Edinburgh Fringe Festival, Hannibal Project di Solden, Austria, Lar Lubavitch, Johan Renvall, Tamir Ginz, Ann Reinking, Lucas Crandall e altri.
Come coreografa, Kelsey integra la danza e le tecnologie emergenti per coltivare nuove modalità di coreografia e performance. Sfrutta la tecnologia non solo per la novità, ma per sondare domande più profonde su cosa significhi essere umani in un mondo mediato digitalmente. Le sue collaborazioni interdisciplinari di grande spessore integrano la danza con il cinema, l’animazione e i media interattivi, creando esperienze immersive che sono state presentate in tutto il mondo. Il suo lavoro multimediale comprende danza dal vivo, screendance, danza per film e installazioni coreografiche. Il suo lavoro digitale è stato proiettato in diversi festival in Germania, Portogallo, Turchia e negli Stati Uniti.
La profondità di Kelsey come artista è pari alla sua dedizione come educatrice. In qualità di professore assistente di innovazione nella danza presso la Western Michigan University, si impegna a coltivare la prossima generazione di artisti. La sua classe diventa un laboratorio creativo dove gli studenti possono scoprire la propria voce. Il suo lavoro è stato riconosciuto attraverso numerosi premi e residenze. Recentemente le è stato assegnato il WMU Presidential Innovation Professorship Award 2023 presso WMU. Kelsey è stata selezionata come artista per il Choreographic Coding Lab a Colonia, Germania (2023) e come uno dei quattro Distant Digital Dance Makers internazionali per creare per Tanz mit dem Tiger a Ulm, Germania (2021, 2022). Ha ricevuto il Creative Living for Dancers Award a Bruxelles, Belgio (2021) ed è stata scelta per la residenza artistica Dancing Lab: Art Speaks 2.0 presso il National Center for Choreography di Akron, Ohio (2021). I suoi impegni in qualità di relatore includono inviti a presentare alla 5a Conferenza internazionale sull’educazione alle arti e al design a Bandung, Indonesia (2022) e al Simposio internazionale della Society of Korea Dance Studies a Seoul, Corea (2021). Ha ricevuto anche la borsa di studio Gene Kelly Legacy della National Dizzy Foot Foundation (2016).
In possesso di un MFA presso l’Università del New Mexico, di un BFA presso la Point Park University e di un’insegnante certificata Countertechnique®, la vasta esperienza di Kelsey in termini di performance, coreografia e borse di studio informa la sua pedagogia. La sua curiosità e la sua visione audace rivelano la danza come una forma d’arte in continua evoluzione che continua a plasmare attraverso la sua carriera versatile e sfaccettata e la sua spinta all’innovazione.
Kevin Abbott, direttore del Virtual Arts + Technology Lab (VITAL) presso la Western Michigan University, combina la tecnologia dei media con le arti da oltre 20 anni. Designer e artista affermato, il lavoro di Kevin si è concentrato principalmente sull’integrazione dei media digitali con performance dal vivo, collaborando a oltre 30 spettacoli di teatro, danza e musica. Kevin ha lavorato con un’ampia varietà di tecnologie multimediali, animazione, proiezioni stereoscopiche, motion capture e videogiochi. I suoi attuali interessi includono la fusione di video, danza, animazione e rendering in tempo reale.
VERTIGO
Regista Benjamin Juhel // Francia
Sentire l’esperienza di Los Angeles nella notte attraverso la percezione di una donna sola, che vaga per le strade, vivendo momenti rituali di interiorità e lasciandosi andare attraverso la danza.
Nato in Normandia _ 1984. Vive tra Bordeaux e Los Angeles.
Laureato all’Ecole des Beaux Arts nel 2005, Benjamin Juhel lavorava con la fotografia e il cinema.
Nel 2007 è stato direttore di un workshop con The Company Theatre di Mumbai chiamato “Body, Space, Area”. Questo periodo di ricerca artistica che utilizza video, danza e suono ha fissato il modo in cui è attaccato alla coreografia, al ritmo e alla percezione nel suo lavoro.
Negli anni successivi alla creazione di alcune performance di “Live Cinema”, i film fisici e sensibili venivano riprodotti in modo diverso ogni volta che venivano proiettati. Il suo interesse per il gesto e lo spazio architettonico può essere visto anche in “Silence” (Dance – Thierry Mabon) e “Ark” (Dance – Anne Charlotte Baranger), due forme di film sulla danza.
Nel 2015, ha lavorato di nuovo con la notte e il nero con “Les Abandons”, una serie fotografica di silenziosi corpi abbandonati e silenziosi paesaggi urbani. Da allora crea serie utilizzando l’oscurità, la fisicità delle immagini e la sensazione della durata del tempo.
Il suo lavoro è stato presentato in numerose mostre e festival cinematografici (Londra, Milano, Parigi, New York, Buenos Aires, Bordeaux, Tokyo…)
YUGO MANCHESTER
Regista Daniel Rodrigues Correia // Slovenia
“MARIBOR, YUGO MANCHESTER” è un accattivante cortometraggio di danza che accompagna il pubblico in un viaggio coinvolgente attraverso l’evoluzione dell’industria della città, l’ascesa e la caduta di Maribor (Slovenia) durante il XX secolo. Attraverso coreografie affascinanti e una narrazione potente, il film svela la trasformazione di Maribor da una potenza industriale a un gioiello culturale. Ogni sequenza di danza illumina gli eventi storici chiave che hanno plasmato l’identità della città, celebrandone i trionfi, la resilienza ed esplorando l’impatto del mutevole panorama industriale. Unendo perfettamente storia e arte, “MARIBOR, YUGO MANCHESTER” invita il pubblico a sperimentare la bellezza e il potere della danza mentre dà vita all’avvincente storia di Maribor.
DANIEL RODRIGUES CORREIA
Esperienza in regia, montaggio e post-produzione, principalmente documentari,
Film di danza, arti sperimentali e pubblicità. Sfondo con una forte attenzione
sulla post-produzione e la passione per la narrazione attraverso la danza o la realtà (doc.)
Nato in Portogallo attualmente vive ad Amsterdam, Paesi Bassi.
A CERTAIN NUMBER OF TIMES // Regista Giorgia Ponticello, Jody Hinterleitner // Italia
Two intertwined lives bound by shared memories. An intimate dance between grandmother and granddaughter celebrates the cycle of life, from childhood to adulthood, in a house filled with memories. A tribute to the signs of time that transform the body into the repository of experiences to be preserved and passed on. Past and present blend cathartically in the fragility of a body struggling to remember.
Giorgia (1998, Italy) is a multidisciplinary italian artist with a background in dance and a strong interest in audiovisual and communication fields. She trained at the Academy of Fine Arts in Genoa, completing a thesis on the visual perception of movement in the relationship between audience and performers. In 2023, her short dance film “Absent Presence” was selected by international screendance and film festivals, receiving several special mentions and recognition. She is currently attending CAM (Cinema, Performing Arts and Media) in Turin to further her research at the intersection of dance and digital media.
Born into a family of artists and travelers, Jody (1999, Italy) began taking photographs as a child. Photography soon became his passion and his preferred means of expression. He attended a professional course in film and television editing, starting his career working for “Primocanale,” a television station in Genova. He then moved on to work for the production company “e-motion” as a camera assistant and operator, working for clients such as Costa Crociere, Bulgari, Moncler, and others. He currently collaborates with local artists, experimenting with innovative techniques and rediscovering outdated recording mediums such as magnetic tape and film.
Lena Marie Rheinländer born in 1997 in Germany. After quitting successfully an education in musical performance, Lena qualified for a full scholarship to study in contemporary dance and street styles in Zurich, where she discovered the craft of directing. Since 2021, she pursues her studies in filmmaking at ZHdK (Zurich University of the Arts).
A visual fable with poetic notes that oscillate between reality and surrealism to reveals a universe mixing plastic, landscape and poetry.
We discover a couple looking like René Magritte’s lovers who have exchanged their veil against a plastic bag.
In research of sensitivity, this video fable question our rupture with the rest of the living world and our (in)ability to identify with it. We are this living being caught in a trap: how could we forget about it?
“ℂℝ𝕌ℕℂℍ 𝕋𝕀𝕄𝔼 is a challenge, a provocation, a joyful mutiny. It is a chaos to come and yet already here where bodies are nothing but momentum and dance a cry of resistance.”
In the frenetic world of Crunch Time, a sudden explosion propels bodies into a frantic race against the clock. In haste they rush headlong, some fall only to rise again while others collide in accidental encounters that oscillate between shock and embrace.
Driven by a raw, insatiable and contagious energy they relentlessly push back their individual limits to forge a collective force. In perfect symbiosis they then burn with audacity to conquer urgency with grace.
In the frenzy of the modern world where performance, productivity and efficiency reign supreme, CRUNCH TIME plunges us into the very heart of the emergency and questions our ability to unite to stand firm and cope with the pressure.
Trained at the Lille Conservatoire and then a graduate of the CNSMD in Lyon, Chloé is first and foremost a performer who puts her physicality at the service of emotion. From an early age she has had a wide range of stage experiences with companies such as Olivier Dubois, Ando, Artopie, DIEM, Groupe Noces and Poetic Punker.
While her research into movement remains central, her attraction to transdisciplinarity and the decompartmentalisation of the arts soon led her to move to Belgium. It was with Wim Vandekeybus and the Ultima-Vez company that she developed and honed her own style, a choreographic language tinged with theatricality; a blend of raw, embodied, wild, almost rebellious dance.
In her eyes dancing bodies are spectacular language tools, vectors of memories and unspeakable stories, and it was natural for her to turn to choreography. She then joined the Garage29 artists’ incubator where she created her first performance presented as part of the Brussel Dance festival, followed by a second at the Théâtre des Bernardines during the Marseille Festival.
At the same time she pursued her career as a performer working with Backsteinhaus Produktion in Germany and with the GDRA documentary theatre company directed by Christophe Rhules and Julien Cassier.
Driven by a passion for sharing knowledge she regularly teaches at intensive workshops, festivals and international centers.
On three occasions she accepted an invitation as guest choreographer from the Performact intensive course in Portugal, where she created, with some fifteen young performers, three pieces on the theme of disobedience and the hyper-activity of the modern world.
In 2021, anxious to assert and offer an image of contemporary dance freed from its character so often considered abstract and conceptual, she founded the Cie La Teneur. Today she leads her own projects with conviction and passion, blending dance, theatre, music and visual arts. She created her first choreographic piece, Balec, in co-creation with Le Garage29.
At the same time she directed the video clips DÉRIVE for the composer LTIR – Christophe Franco Rogelio, and RADIANCE for the German group Perigon_gone_on.
She is continuing her collaboration with LTIR and Performact to produce the dance video CRUNCH TIME.
She is currently working on the children’s show LE MIROIR AUX ALOUETTES and, with her partner Steven Chotard, on their diptych SCHLASS / BLAST.
Videogram produced from the music of Alban Richard’s choreographic show, Fix Me, composed by Arnaud Rebotini.
10 performers call out to the audience one at a time in a frontal and direct manner. The camera gaze is penetrating and almost permanent. but the 10 performers remain silent.
Instead of words, techno music settles in crescendo as the performers try to convince us using their bodies as an extensive language of persuasion.
In 2018, the choreographic piece Fix Me by Alban Richard with original music composed by Arnaud Rebotini (César Award for Best Orginal Music for 120 Beats per Minute by Robin Campillo) asked a simple anthropological question: can the body convince, exalt, exhort, persuade?
Using documentary footage of sermons by American pastors, of political protests and soap-box speakers, a lexicon of movements was created. During the show, the performers could not hear the music but translated through their bodies sermons that only they could hear through headsets.
In 2023 the film I Need a Fix extends this research. The 10 performers, including Arnaud Rebotini, harangue the camera in a quiet physical way trying to fully capture viewers attention.
Over two musical excerpts, Kénose and Substance doctrinale, the film features an accumulation of haunted bodies inhabited by multiple affects. Facial expressions, looks, gestures, multiplied in a often flickering editing take on a shamanic dimension, like a collective hypnosis session.
Romain Winkler is a French-American film director based in Paris. He majored in political science before entering the public film school E.N.S.A.V in Toulouse in 2002. He then followed a double degree in film photography and film direction. Apart from writing and directing films he also works as a film editor and a camera operator.
The first short films he directed were a blend of traditional storytelling an experimental cinema. Ill Figure (2007) narrates the life of a tormented plastic model, Kid Apokalypse (one & two 2005 / 2010 ) is a super-anti-hero born in the midst of a chemical factory meltdown (AZF factory in 2001 in Toulouse). These films have been selected in numerous film festivals and have won prices.
He has directed 2 medium length films, Dehors in 2008, his graduation film, a huis-clos about a young man suddenly uncapable of going down the stairs of his apartment. And Intérieur Nuit in 2017, a musical drama depicting the birth of a love story stressed by the settling of a dictatorship in an eastern European country. The 48 minutes film was shown in theaters and on French national television.
Since 2015, Romain has directed more than 60 music videos for various french artists and some international artists. His 16 videos for the band Odezenne contributed in the band’s success and have reached critical acclaim, they totalize over 20 million views. He directed video’s for icon’s such as Jane Birkin (3) and Étienne Daho (4) as well as for emerging talents. He loves navigating between styles and creating singular, heterogeneous visual universes.
Romain is currently developing an experimental short film about Near Death Experiences, Les Embolies, set to be shot in May 2023. And he is writing his first feature film Hubert X, a genre drama about a group of urban explorers who stumble upon a weird hallucinogenic powder in an abandoned factory…
Alban Richard discovered contemporary dance while he was pursuing literary and musical studies. From the late 1990s, he worked for various choreographers such as Odile Duboc, Olga de Soto and Rosalind Crisp.
In 2000, Alban Richard founded Ensemble l’Abrupt for which he created about thirty very different pieces, always in close interaction with a musical work whose writing and formal structure he questioned. Consequently, each creation opens up new research and a new performance style, setting itself apart from the previous one. The way he develops his shows, using restricted improvisations to devise the work directly on stage, encourages the performers to become creators of their own dance.
Alban Richard has collaborated with the Alla francesca ensemble, Les Talens Lyriques, Les Percussions de Strasbourg, the Ensemble intercontemporain, IRCAM and the Cairn, Instant Donné and Alternance ensembles, as well as with composers Arnaud Rebotini, Sebastian Rivas, Erwan Keravec, Jérôme Combier, Laurent Perrier, Raphaël Cendo, Robin Leduc, Paul Clift, Wen Liu and Matthew Barnson.
A prolific choreographer, Alban Richard is regularly invited by ballets and companies, both internationally (Canada, Lithuania, Norway) and in France, to create commissioned works.
Since 2015 he has been artistic director of the centre chorégraphique national de Caen en Normandie, with a project based on both his practice as an author and on connecting with the territory and its inhabitants.
Past, Present, Future – Three orders determining the space of life. Distant, but without each other they do not constitute truth. They coexist as a sum, a stream of experience. The past stores memories, evokes sentiments, but also hides demons. There is no future, it may be dangerous. The present forces you to decide in what direction to go “here and now”
The future is enchanted in movement and nature; in the sky and green. You decide whether your “Kingdom” is a barren, frozen vastness in which you are only apparently the “Queen/King of Your Fate”, remaining dictated by the past, or whether you take your fate into your own hands and face what has been, accept the offered hand and not look back behind you. Go towards the sky and greenery. The compass is the heart and intuition. The Future is there. In you.
his one-take, studio recorded performance, examines the confrontation of collaboration among music, dance and light. Moving through obstacles, time and turmoil, overcoming only to be met with new resistance, gaining strength while burning energy concurrently.
Moiré is an experimental contemporary dance, music and film company that seeks to ignite profound emotional experiences. Through a creative partnership, choreographers Carlye Eckert and Sam Lore and composer Darren Hoffman craft atmospheric performances and films through simultaneous creation, deep listening, and sustainable production.
Moiré strives to create performances that are hypnotic, arresting and time-altering within the convergence of immersive sound, light and technology.
A group of dancers positions themselves between the ancient and modern ruins of the island of Crete, Greece. Drawing inspiration from its rich heritage, they craft a series of kinetic forms and patterns influenced by folk dances. These installations, whether harmonising with or contrasting against the island’s culture, offer reflections on historical memory and the Cretan identity.
Lefteris is a Greek filmmaker and photographer based in London. His short film “Latent” has been selected by more than 25 film festivals worldwide and is currently distributed by Shorts International. He is a BFI NETWORK x BAFTA Connect member since 2017.
Lefteris also works as a Script Supervisor with credits on multiple award-winning productions in the UK and Greece such as Peter Strickland’s latest feature film “Flux Gourmet.” He holds an MA in Filmmaking, specialising in Directing from Goldsmiths, University of London. Additionally, he studied Theatre at the University of Athens and Trinity College in Dublin.
Beyond his filmmaking pursuits, Lefteris is a keen volunteer and has traveled extensively with NGOs in India, Iceland, and Japan. His experience living, working and studying in various parts of the world enhanced his interest in the subjects of heritage and identity. Challenging the notion of being a citizen of the world against the desperate need to belong, Lefteris explores the ideas of home, memory and abandonment with a distinct emphasis on movement and physicality.
Every invention, no matter how small or large, has a life of its own. Plastic was born as an innovative and revolutionary material, but it represents one of the great problems of our time. Six dancers humanize plastic and retrace the stages of its existence, rejected after a simple use. They find themselves thrown into different corners of the world to reunite in the place where everything accumulates to slowly disintegrate.
Nicola Massella is an emerging photographer and videomaker, born in 1996 and residing in Verona, Italy. His work primarily focuses on socio-environmental themes, aiming to narrate them through powerful images that capture the audience’s attention and prompt reflection.
Despite not following a formal academic path in the field of photography and cinematography, Nicola has acquired his skills mainly through self-teaching. He has dedicated time to reading books and manuals on photographic and cinematographic techniques, learning from the successes and life experiences of accomplished photographers and directors. This approach has allowed him to develop his own distinctive style and refine his abilities in communicating through images.
Furthermore, Nicola has expanded his knowledge by participating in workshops, events, and exhibitions, where he has had the opportunity to engage with other professionals in the field and receive feedback on his work. This continuous pursuit of growth and improvement has led him to emerge as a promising director in the field of short films, providing him with the opportunity to explore new forms of visual storytelling to address the themes that are close to his heart.
SIREN is a short experimental dance film, utilising contemporary dance to explore the non-binary/trans experience.
SIREN is a short story of a curse.
In every gaze met, the cursed sees the onlookers most private secrets. The pupil transforms into a darkened well, burgeoning from the subconscious.
Our central figure finds themself in the familiar situation of being seen by a crowd, where they are confronted with their unorthodox reaction to fear. Gorging on the hidden lives of many and riding the high of their nervous system, the heightened state of danger blooms into ecstasy, disgust and rage.
What happens when instead of following our instinctual reaction to fear, we yield to it?
What happens when we know things we shouldn’t?
Born in Vancouver, Scott Fowler trained as a contemporary dancer at Arts Umbrella, and in 2012 he joined Ballet BC as a full time dancer. In 2013, Scott began to explore the mediums of photography and videography as other outlets for his artistry. He created an Instagram account for his photography and gained a large following after being placed on Instagram’s suggested users list in both 2014 and 2015. Scott gained experience in videography through his own explorations and by creating sports and dance videos. He was interested in how his movement knowledge ands experience could contribute to the different methods and perspectives of filming dance, or in other words, how the camera could dance with the dancer.
